LE CONTEXTE DES MUSIQUES VIVANTES ET DE L'UTILITÉ DES RETOURS SON
Dans la « musique vivante », à l'exception des « orchestres de rue », la majorité des groupes, y compris les big bands de jazz, font appels à la sonorisation. C'est nécessaire dès que la taille de la salle de concert est imposante. Pour les spectateurs, les enceintes de façade permettent une diffusion et une présence sonore accrue de l'orchestre.
Un retour son incliné proposé par Yamaha
De leur côté, les artistes disposent également de leur propre sonorisation que l'on nomme les retours son. Ce sont de petites enceintes inclinées et dont l'axe de diffusion des HP est dirigé en direction des oreilles du musicien. Cette écoute individuelle jouent un rôle-clé. Par exemple, grâce au "bain de pied" (autre nom donné au retour), un guitariste et un bassiste situés à chaque extrémité de la scène peuvent s'entendre réciproquement pour jouer parfaitement ensemble. L'autre avantage, et non des moindres, est de permettre à l'orchestre de choisir plus librement son agencement scénique ; nonobstant l'utilisation des oreillettes HF qui les remplacent parfois et dont l'usage a révolutionné le jeu scénique de ces dernières années en offrant une plus grande mobilité.
Techniquement, le niveau des différents instruments est étalonné (volume) grâce à la console et envoyé indépendamment vers chaque retour son en fonction de l'exigence des demandes. Cela signifie, que les artistes et tout l'encadrement technique opèrent un juste équilibre sonore préalable avant chaque concert (d'où l'expression du métier : « Faire la balance »). Cela évite surtout des mises au point de dernière minute, des ajustements qui peuvent gâcher la qualité du spectacle et le jeu des musiciens.
En toute logique, chaque membre de l'orchestre doit avoir son propre retour son (parfois deux). Par contre, les formations importantes comprenant des sections de cuivres ou de cordes répartissent les enceintes généralement par pupitre : trompette, saxophone, trombone, violon, alto, violoncelle...
Cette offre technique n'exclut pas quelques habitudes bien ancrées. Par exemple, le bassiste et le batteur qui s'installent côte à côte (et de temps en temps en hauteur), sont traditionnellement au fond de la scène, tandis que le claviériste et le guitariste se placent plus en avant et occupent les côtés. Cette disposition participe à l'esthétisme et à la visibilité du jeu des musiciens pour le public. Ensuite, les voix leads sont devant et au centre de la scène, tandis que les choristes sont sur un côté et en hauteur.
Concernant le big band de jazz, bien souvent, la section rythmique (piano, guitare, basse et batterie) fait corps sur le côté, tandis que les souffleurs sont sagement installés derrière leur pupitre par famille d'instruments. Une certaine cohésion doit régner. Bien entendu, chaque disposition tient compte de la taille de la scène qui est l'une des conditions fréquemment stipulées dans les contrats afin d'éviter de fâcheuses surprises le jour du concert.
LES EXIGENCES DUES AUX INSTRUMENTS ACOUSTIQUES NON AMPLIFIÉS
La musique classique est directement concernée. En effet, lors d'un concert classique, il est inhabituel d'avoir recours à de l'amplification (sauf exécution en plein air). Les musiciens s'en remettent à l'acoustique de la salle pour percevoir les subtilités, les nuances de leur instrument (et de leurs voisins) noyées dans une masse sonore qui peut comprendre jusqu'à 80 et plus d'interprètes... Ce qui justifie, par ailleurs, la présence du chef d'orchestre pour diriger tout ce petit monde à la baguette !
La disposition est de fait moins libre et impose un agencement pratiquement immuable en fonction du type d'orchestre. C'est le cas des formations symphoniques. Le public doit entendre distinctement les sons produits par les instruments, leur sonorité et la manière dont ils sont joués. Globalement, les instruments sont disposés en fonction de leur propre dynamique, de leur nombre et de leur famille.
Habituellement, ils sont disposés en arc de cercle. Les plus proches de l'auditoire sont les instruments munis de cordes frottées ou pincées avec les doigts. Leur manque de puissance naturelle est compensé par leur nombre. Derrière eux, nous avons les instruments à vent, plus puissants. Ceux-ci sont répartis en deux groupes, les bois et les cuivres. Au fond de la scène (ou sur les côtés) sont disposés les instruments à percussion, les plus incisifs de l'orchestre, puisqu'un simple triangle est capable de ressortir de la masse sonore. Suivant les œuvres à exécuter, on peut y voir trôner une harpe à côté d'eux.
Et le piano, me direz-vous ? En théorie, le piano ne fait pas partie de l'orchestre symphonique, sauf si une composition a été conçue à son intention, comme un concerto pour piano et orchestre. L'instrument est alors installé devant les cordes et à côté du chef d'orchestre, au plus près du public.
En savoir plus : L'orchestre classique, la disposition des musiciens en fonction des époques (sur "pianoweb.fr")
DES MUSICIENS MULTI-INSTRUMENTISTES
Dans le cas des groupes de rock et surtout de jazz, les musiciens sont parfois des multi-instrumentistes qui, pour un court instant, jouent d'un autre instrument : une guitare pour une basse, par exemple, ou un saxophone pour une flûte, chez les souffleurs. Il n'existe pas de règles, si ce n'est la compétence du musicien. Cela représente notamment un potentiel supplémentaire pour la formation qui peut ainsi diversifier sa palette sonore pour, éventuellement, répondre à un répertoire éclectique.
Dans un orchestre symphonique ou de chambre, les musiciens particulièrement « stables » sont les cordes, car ils ne changent que rarement d'instruments au cours du concert, excepté si l'œuvre sort des sentiers battus (musique contemporaine). En revanche, dans la section des vents, il est fréquent qu'un clarinettiste ou un flûtiste emploie un autre instrument, respectivement une clarinette basse et un piccolo. Il arrive même qu'un corniste passe du cor au tuba. Néanmoins, la palme revient assurément aux percussionnistes, puisqu'il arrive que certaines pièces musicales réclament jusqu'à vingt instruments distincts qui vont des timbales au woodblock, en passant par des percussions plus insolites comme la crécelle, sans compter les modèles empruntés aux cultures non-européennes !
Par Elian Jougla (Cadence Info - 11/2023)
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